京都市立芸術大学ギャラリー@KCUA

Introduction

この3点の作品は、明治の38年から40年に描かれた、当時の旧制の中学校である京都市立美術工芸学校の卒業作品です。現在の高校卒業くらいの年齢で描いたものになります。当時の美術工芸学校は技術的な教育を行う実業学校の一種で、実技と同様に、学生たちが豊かな教養を得るための教育も重視されていました。故に、明治13年に京都府画学校という前身の学校ができた頃に比べると、実技の時間そのものはずっと少なくなっています。そこで行われていた教育は、基本的な部分では江戸時代から続いていたさまざまな絵画教育と大きくは違いませんでした。明治時代に入っても、京都の画壇では「円山派」や「四条派」が江戸時代に引き続き中心的な役割を担っていました。この部屋の3点の作品の作者、入江波光、渡辺与平、村上華岳の3人が先生にしていたのは、竹内栖鳳、山元春挙、菊池芳文といった、まさにこの円山派、四条派に属している画家です。この二つの流派は、写生を重視したものと捉えられています。ここで言う「写生」は、西洋画でいうところの写実、例えば立体的に見える陰影表現などとは少し違い、対象が持っている生き生きとした活力や精神性を絵の中に写し取ることを重視したものです。

円山派がそういう写実的な表現、そのなかで写生というものを非常に律儀に追求していったのに対し四条派では、本物に即して絵を描くことを重視しつつ、詩や文学の世界との親和性の高い絵画表現を目指して、その詩情を取り込むような絵画表現がよく使われるようになりました。その代表的な表現が「つけたて」という筆の表現です。「つけたて」というのは、筆で一本の線を引くときに、水の含ませ具合で濃淡をつけることによって、でき上がった線のなかに、その筆のなかにある墨の濃淡がそのまま表現されて濃い部分と薄い部分ができるという表現の技法です。その濃い部分と薄い部分をうまく使い分けることによって、一筆の線のなかで立体感を表すというわけです。その一筆一筆の濃淡を使い分けることによって、筆を省略していくと、一種の抽象化のような作用が働いていきます。すると、対象物の本質というものをいかに少ない筆の数で表現できるかというのも画家たちの興味の対象になっていきます。入江波光、渡辺与平、村上華岳の3人の絵画の先生である竹内栖鳳は、省く筆、省筆というものを、いかに絵のなかに盛り込んでいって、いらないものを省いて、必要なものだけで絵を構成していくのかということを追求していました。この「つけたて」と比較対象になりやすいのが、狩野派と言われている東京画壇に君臨していた流派の、筆の線を重視する表現です。輪郭線を用いて表現すると、表現としては硬く、強い印象になります。美術工芸学校の卒業作品のなかにも、輪郭線をとても強く意識して描いている作品もありますが、この3つの作品は、輪郭線のない柔らかい線による「つけたて」をうまく生かして描かれています。

また、当時教員であった竹内栖鳳は、ヨーロッパで西洋の美術品を色々と見て回り、帰国後には西洋の美術の美点、そしてそれと比較して日本美術の、もしくは日本絵画の良い点を学生たちに説きました。そのなかで、空間の把握というのがとても大きな一つのテーマになっていたようです。筆で描くなかで、どうやってその一枚の紙、もしくは一枚の絹のなかに空間を作り出すのかということが課題として与えられていたようです。この3点の作品はいずれも、そういった配慮がうまくなされています。この頃は、明治維新の時期のように、単なる国粋主義という形で西洋を排除するということもありませんでしたし、日清や日露という戦争を経て、世界のなかの日本というものを国民自身もなんとなく感じるようになってくるなかで、西洋の美術というものが自分たちの視野により強く入ってきた時期だと言えるでしょうか。そういう背景もあって、渡辺与平の《狐》のように、まるで洋画の世界のような日本画というものが生まれてきたり、村上華岳の《羆》のように、狩野派風の輪郭線を強く描いた枝を手前に配置し、また顔は細かな線を重ねて描く西洋の絵画のような表現を取るといった、絵の中でアンバランスな部分が生じるような工夫が行われていくことになります。